XVII фестиваль театров малых городов, прошедший
Всероссийская сцена —
О предстоящем фестивале театров малых городов России в Камышине заговорили еще год назад. Сначала как о предполагаемом событии, потом — как о реальной перспективе. Первым этапом предстоящего фестиваля стала работа «Творческой лаборатории по современной драматургии», которую провели в Камышинском драматическом театре ведущие режиссеры из Москвы и Санкт-Петербурга, преподаватели профильных вузов, театральные критики. Чем были эти последние дни марта для актеров Камышинского драматического театра и их верных почитателей? Конечно, настоящим праздником! На сайте театра мы читали воодушевляющие комментарии молодых актеров: «Это была потрясающая неделя! Мастер-классы закончились. Спасибо замечательным педагогам! Осталось отыграть эскизы спектаклей. Волнительно». На пресс-конференции режиссер КДТ Александр Штендлер скажет: «Это было удивительное время внутреннего обновления, азарта, всеобщей влюбленности и духоподъемного общения. Даже те, за плечами которых сорок лет актерского стажа, вновь почувствовали себя в счастливой поре студенчества». В преддверии фестиваля театров малых городов России в Камышине высадился «десант» столичных деятелей культуры: представители Государственного Театра наций, возглавляющего фестивальное движение, режиссеры, педагоги, театральные критики. Работа выездной «Творческой лаборатории по современной драматургии» предполагала не только тренинги по сценическому движению и речи (педагог Школы-студии МХАТ Батраз Засеев и преподаватель РГИСИ /СПб/ Егор Архипов), но и подготовку эскизов спектаклей. Накануне показов организаторы проекта провели пресс-конференцию для местных и региональных журналистов. Арт-директор лаборатории, критик Олег Лоевский и куратор проектов Елена Носова подробно рассказали о целях фестиваля, особо подчеркнув значимость самого проекта: — На сегодняшний день почти треть всех профессиональных театров России находится в малых городах. Задача фестиваля и сопряженных с ним мероприятий — обеспечение равного доступа к культуре всех россиян. Впечатлили прозвучавшие цифры: на семнадцати фестивалях побывали 79 театров, причем 49 из них участвовали неоднократно — от двух до двенадцати раз. Что касается творческих лабораторий, они проводятся пять — семь раз в год. Интересна эта работа и самим педагогам: — Во-первых, «лаборатория» дает возможность смотреть работу друг друга, во-вторых, это средство знакомства с интересными режиссерами. Учитывая перегрузки актеров в непривычной ситуации, когда эскизы спектаклей готовились за четыре дня, Олег Лоевский дал обнадеживающий прогноз: — Надеюсь, подобный стресс станет хорошим опытом и перейдет в позитивное начало творческой энергии, дав толчок новому развитию. По окончании пресс-конференции состоялся показ эскиза первой работы, которую подготовил московский режиссер Владимир Золотарь — обладатель премии «Золотая маска». «Белый шум», поставленный по пьесе Олега Михайлова, — спектакль, необычный во всех отношениях. Своеобразной сценой для действа послужил вестибюль театра вместе с гардеробной, кассовым залом и прочим. Зритель имел возможность убедиться в рациональном использовании каждого квадратного метра довольно обширной площади.
Обсуждаемая проблема — СМИ и власть — острая, актуальная, во многом болезненная и, наверное, в силу этого не так уж часто воплощаемая на театральных подмостках. Кто они, современные журналисты, — проводники объективной информации или «говорящие головы»? На примере небольшого коллектива радиостанции автору удалось обнажить те многочисленные сложности, с которыми сопряжена деятельность творческого сообщества. Параллельно персонажи спектакля создают и пытаются разрешать конфликтные ситуации в сфере межличностных отношений, неизбежные в любом коллективе. Финал остается открытым, однако в допустимой проекции он совершенно очевиден. Поскольку речь идет об эскизе спектакля, едва ли будет корректно говорить об игре актеров в отдельности, но хочется отметить достаточную сыгранность разновозрастного творческого коллектива, почти невероятную за столь короткий временной отрезок, отведенный на подготовку. Более привычное жизненное полотно предстало перед зрителями во втором спектакле-эскизе, подготовленном с актерами КДТ молодым режиссером Андреем Цисаруком, выпускником ВТУ имени Щепкина (мастерская Ю. М. Соломина). Постановка «Земля Эльзы» по пьесе Ярославы Пулинович была очень тепло принята залом. Разумеется, это обусловлено игрой замечательного дуэта — заслуженной артистки России Татьяны Торощиной и актера Юрия Щербинина. Как трогательно и бережно им удалось воссоздать неожиданное чувство немолодых людей, которое, вопреки обстоятельствам, придало их жизни новый смысл и новые краски. Не могла не затронуть камышан и едва обозначенная, но никуда не ушедшая из памяти проблема депортации российских немцев. Так уж сложилось, что Камышин и район стали местами их исторического проживания, и потому трагические события августа 1941 года навсегда остались не только фактором семейных воспоминаний, но и изломами реальных судеб людей старшего поколения. Женское одиночество, взаимоотношения «отцов» и «детей», внутренняя свобода и социум — все эти проблемы не могут не волновать людей разных поколений. Вот почему большинство зрителей в процессе обсуждения спектакля высказались за то, что «Земля Эльзы» должна остаться в репертуаре театра. И наконец, «Свидетельские показания». Даже пролистав пьесу Дмитрия Данилова, ни за что не догадаешься, что столь полифоничное произведение можно превратить в спектакль с двумя исполнителями. Но режиссер из Санкт-Петербурга Георгий Цнобиладзе блестяще доказал такую возможность. На наших глазах Александр Ферхов и Светлана Смирнова создают порядка двух десятков ролей, ни разу не повторившись ни внешне, ни внутренне. Во вступительном слове перед началом спектакля Олег Лоевский, говоря о своеобразии произведения, отметил, что даже жанр пьесы определить трудно: — Это может быть одновременно социальная драма, детектив и документальное расследование. Человек шагнул в заоконное пространство. Добровольно? С чьей-то помощью? Именно эту проблему пытается решить невидимый следователь. Зритель с интересом наблюдает, как постепенно разрастается масштаб личности погибшего. Но он ли это? Воспринимая происходящее на сцене, в очередной раз думаешь о разобщенности людей, подчас даже близких, о незнании и непонимании характеров, мотивов поведения, о неумении отличить сокровенное от сиюминутного. Удивительно, что все эти люди, говоря о своем соседе, знакомом, сотруднике и даже партнере, меньше всего заботятся об объективности показаний. Совершенно очевидно, что, пропуская человека через призму собственного восприятия, они создают его внутренний портрет, который, по сути, является отражением их самих. Каждый воспроизводит то, до чего дорос сам. Актерам удалось решить уникальную задачу. В ходе обсуждения Александр Штендлер сказал, что «артисты прошли пробы сразу на двадцать ролей». Глубокие, поверхностные, приземленные, глуповато-восторженные, самовлюбленные, скромные, вульгарные — это далеко не полный перечень психологических типов, которые явили нам исполнители за час с небольшим сценического времени. Каждый спектакль завершался не только обсуждением, но и зрительским голосованием. Длинные очереди выстраивались в фойе к ящикам с надписями: «Продолжить работу» и «Забыть, как страшный сон». Но достаточно и непосредственных впечатлений, чтобы понять: зрители приняли пьесы современных драматургов и в основном положительно оценили совместную работу столичных режиссеров и актеров камышинского театра. Однако интрига сохраняется. Появятся ли эти спектакли на афише КДТ в будущем сезоне, покажет время. И вот наконец сам фестиваль. Творческие коллективы не только презентовали свои постановки — участников ждала большая образовательная программа с мастер-классами, тренингами, семинарами, лекциями, индивидуальными консультациями от ведущих российских и зарубежных специалистов. Перед открытием в Центре патриотического воспитания имени А. П. Маресьева состоялась пресс-конференция для многочисленных журналистов, освещающих столь масштабное событие. Президент фестиваля Евгений Миронов напомнил собравшимся, что подобный форум театров из городов российской глубинки только на Волге проходит в третий раз: «Были Вольск, Балаково, теперь вот Камышин». — Корни тянут — ничего с собой поделать не могу, — признался всенародно любимый актер. — Когда мы взялись за этот проект, нам было важно понять картину театральной жизни России в глубинке: проанализировать техническое состояние театров, творческий потенциал актерских трупп — выявить проблемы и поменять картину к лучшему. Не всегда нас принимают радушно. Иногда оказываемся в богом забытых местах, где жизнь, кажется, остановилась. Но есть театр! И он способен эту жизнь расшевелить. Это очень трудная задача, но мы прекрасно понимаем свою миссию. Арт-директор фестиваля Олег Лоевский отметил, что важной особенностью нынешнего всероссийского сценического форума является пребывание на нем всех коллективов-участников от начала до конца, их присутствие на обсуждениях экспертами (членами жюри из состава критиков) всех спектаклей. Он ассоциировал это событие с физическим явлением диффузии, так как оно дает возможность взаимопроникновения, «а это всегда поиск, способ развития и совершенствования». Евгений Марчелли подчеркнул, что формат нынешнего «смотра сил» — это творческий эксперимент, и он возлагает на жюри дополнительную ответственность, но в любом случае необходимо будет выбрать лучшие спектакли большой и малой форм, которые в следующем сезоне будут представлены на сцене Государственного Театра наций. Член жюри актриса Ольга Остроумова по-женски эмоционально призналась, что фестиваль для нее не только профессиональное, но и глубоко личное событие, к которому она привязана всей душой: — Он в прямом смысле спас меня от творческого застоя, вывел на новый уровень, потряс и вдохновил тем, как в провинциальных городах на голом энтузиазме люди умеют создавать настоящие шедевры. Для открытия XVII фестиваля театров малых городов России в Камышине выбрали, пожалуй, самое красивое место. Уникальное по своей архитектуре старинное здание историко-краеведческого музея, памятник Петру I, неоглядные просторы Волги, уютная набережная — думается, эта панорама не оставила равнодушными самых прихотливых гостей. А для камышан набережная давно стала излюбленным местом отдыха. Так что большое количество людей, собравшихся здесь вечером 24 мая, случайным не назовешь. Художники привнесли в оформление территории праздника немало креативных идей. На ступенях центральной лестницы, ведущей к сцене, позировали «маски». Сквозь этот строй фигур в белоснежных одеждах прошли vip-гости и делегации театральных коллективов. Перед камышанами и гостями города выступили артисты Волгоградского театра юного зрителя, Волгоградского музыкально-драматического казачьего театра, Камышинского драматического театра, а также оркестр театра «Царицынская опера». Своеобразным прологом к открытию стало развернувшееся на сцене праздничное представление: на фоне быстро сменяющихся декораций посредством пантомимы молодые актеры символически представили полную противоречий и борьбы жизнь театра. Набережная взорвалась овацией, когда к микрофону подошел президент фестиваля Евгений Миронов. Несмотря на торжественность момента, он сразу же настроил собравшихся на волну дружеского общения. — Привет! — неожиданно по-свойски обратился он к камышанам. — Мне кажется, я приехал на родину. В известной степени так и есть: ведь я родом из Саратова, а Камышин когда-то был частью Саратовской губернии. Так пусть этот прекрасный город, известный как арбузная столица страны, на целую неделю превратится в столицу театральной жизни России. Принявший эстафету губернатор Волгоградской области А. И. Бочаров тепло поздравил камышан и гостей города, поблагодарив Театр наций за предоставленную возможность принимать на нашей земле столь представительный форум: — Город впервые становится общей сценой для большого количества театров из многих регионов страны. Я уверен, что наши гости не только продемонстрируют свое мастерство, но и найдут новых друзей, увезут с собой частичку нашего солнца и доброго отношения. На набережной еще продолжался праздник, а переполненный зрительный зал центра культуры и досуга «Дружба» с нетерпением ждал появления Евгения Миронова. Он стремительно вышел на сцену, как бы оставив за кулисами все свои звания и регалии. Худощавый, невысокого роста, в обычных джинсах и без галстука, просто заговорил о своих корнях. В рассказе о творческой деятельности временами сквозила едва заметная ирония, которую способен допустить уверенный в себе человек. Но… никакого пафоса, ничего показного — все интеллигентно, с юмором и прекрасным чувством меры. Зная пристрастие публики к необычным деталям жизни известных людей, Миронов поведал о том, как в молодые годы ему не раз предлагали поменять фамилию — ведь это была эпоха сверхпопулярного Андрея Миронова. — Возьми фамилию матери, как это делают многие, — советовали молодому актеру. — Я бы с удовольствием, но в девичестве мама была Дорониной... Коротко рассказав о работе в Театре наций, Миронов плавно перешел к кинематографической деятельности. Своей главной ролью, «хотя и давшейся большим трудом», он по-прежнему считает роль князя Мышкина в экранизации романа Достоевского «Идиот». Предваряя просмотр лирической комедии «Норвег», исполнитель главной роли тепло обрисовал своих партнеров, особенно талантливого Дмитрия Марьянова, для которого работа в этом фильме стала последней. Подробности встречи хочется восстанавливать вновь и вновь. Так бывает всегда, когда перед тобой по-настоящему глубокий, преданный своему делу человек, который помнит простую и мудрую истину: «Только в словарях слово «победа» стоит перед словом «работа». Но главное было все-таки впереди. Ходить в театр в течение недели — дело нелегкое. Уже позже председатель жюри Евгений Марчелли, сочувствуя зрителям, скажет:
— Смотреть спектакли — это дикий труд, от ужаса до восторга. В день открытия состоялся так называемый гостевой спектакль, который в этом году привез московский театр «Практика», созданный в 2005 году как экспериментальный театр новой драмы. В постановке по пьесе Казимира Лиске «Black&Simpson» приняли участие Антон Кузнецов и Александр Феклистов. В основе действия — переписка двух американцев. Это реальная история, которую Лиске услышал по радио в США. Он разыскал ее героев и решил сделать документальный спектакль. У одного из персонажей произошла страшная трагедия — он потерял любимую дочь, второй — убийца, отбывающий пожизненный срок в тюрьме. В течение пятнадцати лет эти люди состоят в переписке. Зритель с неослабевающим интересом следит за эволюцией этих странных отношений, которые на глазах меняют героев. Впрочем, спектакль заставляет и самих зрителей посмотреть на реалии жизни под иным углом зрения. Однако внимание в основном было приковано к конкурсным работам. Выбор сделать не так-то просто. Прежде всего классика. В числе первых в афише — булгаковское «Собачье сердце», поставленное режиссером из Санкт-Петербурга Семеном Серзиным. Русский драматический театр «Мастеровые» (Набережные Челны) — достаточно известное учреждение культуры Татарстана. Чем удивит театр на сей раз? Ведь ставка сделана на эксперимент. Сюрпризы начинаются с первой минуты. На сцене — квартира профессора Преображенского: огромные, неряшливо обмотанные трубы отопления, ржавые потеки на стенах, поперечное окно, стены в роли пола, пол в роли потолка, чей-то портрет тоже в горизонтальном положении. Очевидно, это материализованные приметы разрухи, о которой так много говорят герои спектакля. Но мир не перевернулся, он всего лишь лег набок. Выключен свет. На экране — кадры фильма Сергея Эйзенштейна «Броненосец «Потемкин» с известным подстрочником. Довольно долгий фрагмент завершается репликой о нежелании продолжать питаться гнилым мясом. Далее гастрономическая тема трансформируется в монолог Шарика. Да вот и он сам — правда, на поводке, а потом в клетке, но вполне реальный пес. Четвероногий актер Чага значится даже в программе спектакля. Его монолог звучит из уст женщины, одетой в мужской костюм. Через какое-то время она же появится в роскошной шубе уже в роли профессора Преображенского (заслуженная артистка России Марина Кулясова).
После того как Марина Неелова сыграла у Валерия Фокина Акакия Акакиевича Башмачкина в гоголевской «Шинели», использование этого приема было ожидаемо. Помнится, в комментариях к спектаклю кто-то написал: «Но Башмачкин…он никакой. Ни мужчина, ни женщина — Елизаветъ Воробей». Трудно отнести подобное к респектабельному профессору Преображенскому. Однако согласованность мужского и женского, которая считается гениальной догадкой современной режиссуры, вероятно, имеет под собой определенную почву: эти два начала не всегда противостоят друг другу, они могут жить в едином образе. Принятие этой условности неизбежно. Однако внутренняя уступка режиссерскому замыслу не позволяет заполнить огромное смысловое пространство булгаковского шедевра. Профессор Преображенский — личность масштабная, харизматичная. Несмотря на свое происхождение, он истинный аристократ. Ни привычки, ни жизненный уклад такие люди не готовы менять даже под влиянием объективных факторов. Сценический же Филипп Филиппович капризничает, плачет, отчаивается, постоянно нуждается в утешении. Знакомые пространные монологи профессора периодически погружают в привычную атмосферу, но появление Швондера — женщины (актриса Александра Петрова) вновь разрушает едва установившуюся гармонию восприятия. Второе действие внезапно разбавляется вставным элементом — теперь мы лицезреем быстро сменяющиеся картины другой пьесы Булгакова — «Роковые яйца». Есть ли связь с основным сюжетом? Разумеется. Но чтобы установить ее в контексте режиссерской логики, необходимо хорошо знать содержание первоисточников. А что же Шариков? Его образ, воплощенный актером Алексеем Уховым, остался практически неизменным. Хамоватое новоиспеченное существо все так же борется за свое место в обществе и в квартире профессора. Правда, на балалайке не играет, но котов традиционно отлавливает. Концовка наступает неожиданно: Борменталю так и не удается уговорить Преображенского на повторную операцию — Шарикова убивают в пьяной драке. А дальше тишина. И очень противоречивые чувства. Словом, во всей полноте — признаки современного театрального проекта. От спектакля к спектаклю происходит привыкание к тому, что мы находимся не просто в театре, а на своеобразной экспериментальной площадке. Сменяют друг друга непривычные декорации: из бара Нового Орлеана («Трамвай «Желание») мы перемещаемся на берег чарующего красотой морского побережья («Оттенки»), от огнедышащей топки паровоза и скрежета составов («Счастливчики») в «металлическое» жизненное пространство «Вассы Железновой». Почти во всех спектаклях — потрясающая работа со светом, очень точное музыкальное оформление, великолепная хореография. Все эти внешние факторы с первого предъявления говорят сами за себя: люди приехали на конкурс. Они не просто играют, они участвуют в творческом соревновании. И все же силы и средства были неравными. С позволения автора, старейшего камышинского журналиста В. С. Золотаревой, привожу несколько фрагментов из ее отзывов: «Конкурсная программа стартовала 23 мая: спектакль «Стояние Зои» представила молодежная студия — театр «Доминанта» из города Губаха Пермского края. Сюжет основан на известном то ли факте, то ли легенде о том, как девушка Зоя, танцуя с иконой Николая Угодника, окаменела и осталась в таком состоянии на несколько месяцев. Профессиональные столичные критики высказали в адрес спектаклей немало замечаний: — В сыгранной пьесе Александра Игнашова — логические сбои. — Реальной истории не получилось. — Это была проговоренная, а не пережитая драматургия. И все же спектакль будоражит воображение. Конечно, автор не намеревался убедить нас в достоверности событий. Пьеса не о самом чуде, а о почве, на которой оно свершилось. Спектакль проникнут тоской по жизни, достойной человека. Оттого с неподдельной радостью воспринимаешь финальные сцены. Земная жизнь персонажей — это круги ада. Однако, пройдя через них, они сохранили нежность, любовь и веру». И еще один отзыв В. С. Золотаревой: «Спектакль «Калигула» Серовского театра драмы им. А. П. Чехова поражает с первых мгновений: обилие техники, проекция сценического действия на большой экран, изощренный звуковой ряд. Режиссер постановщик Владимир Золотарь отказался от малейшего намека на Древний Рим. Его герои одеты в современные костюмы, что сразу же настраивает на возможные параллели. Калигула — образ трагический. В нем уживаются полярно противоположные качества. И добро, и зло в нем масштабны, и в силу этого он бесконечно одинок. Покорность и подобострастие окружающих его раздражают, сопротивление вызывает гнев. Актер Алексей Наволоков стремится показать внутреннюю драму персонажа. Его герой — личность страдающая, метущаяся, прекрасно осознающая, что жестокостью мир не изменить. После смерти Калигулы на экране вспыхивает надпись: «Я еще жив». Конечно, жив, как живы в нашем мире жестокость, агрессия, безумие замыслов. Калигула жив в террористах, националистах, агрессорах, в преступниках всех мастей». Автору этих строк, как почитателю традиционного психологического театра, пришелся по душе спектакль «Оттенки», поставленный по автобиографической повести Антона Таммсааре. — Это история о любви, пусть даже печальной, — говорит режиссер Алексей Песегов, — вещь очень романтичная и, хотя написана эстонцем, напоминает русскую классику. И это действительно так. Еще не предвидя финала, невольно улавливаешь в сюжетной линии мотивы чеховского рассказа «Цветы запоздалые». Правда, здесь в центре внимания любовь начинающего литератора (актер Владимир Кадоло) и юной художницы (актриса Анна Понибрашина). Оба болезненны и тревожны, и, несмотря на то что их сближение происходит очень медленно, зрители с трепетом наблюдают за их переживаниями. И внешне, и внутренне герои выписаны бережно и психологически точно. Временами кажется, что они сошли с картин импрессионистов — так тонко и изящно представлен их мир. Спектакль почти не имеет декораций. Главный акцент сделан на свет, точнее — на его оттенки (великолепная работа художника по свету Сергея Гаевого). Персонажи появляются словно из ниоткуда, когда на них направлен прожектор, и растворяются в темноте, когда свет исчезает. Часть сцены засыпана песком, на котором герои рисуют, воспроизводя в символических образах свое внутреннее состояние. Сложная графика линий — своеобразная кардиограмма их духовной жизни. Музыкальным фоном звучат шум прибоя и крики чаек. Все эти художественные приемы создают удивительную сценическую гармонию, напоминая зрителю о возможности органичного слияния традиции и поиска новых форм. Большое количество зрителей собрал молодежный театр-студия из подмосковных Химок. Шли в первую очередь на Чехова. «Счастливчики» — это пять непохожих историй по рассказам классика о любви в постановке Николая Скорикова. В аннотации читаем: «Следуя задумке худрука, спектакль строится по принципам «Персиморанса» — симфонического ансамбля, существовавшего в Москве в первое десятилетие после Октябрьской революции. Его музыкантам удалось исполнить великие симфонические произведения, основываясь лишь на творческом порыве каждого из членов коллектива, без единого дирижерского управления». Воплощая идею «отсутствия управления», режиссер вполне достиг своей цели, ибо зритель при всем желании так и не смог рассмотреть единого актерского ансамбля. На фоне железной дороги, символизирующей, вероятно, суетность и быстротечность жизни, на жестких стульях зала ожидания герои то обмениваются короткими репликами, то воспроизводят текст от третьего лица. Но, несмотря на буйство пламени в топке паровоза, идея испепеляющих страстей звучит неубедительно. Темпераментные перемещения по сцене, акробатика и даже бальные танцы не в состоянии передать чеховской тоски по совершенству. Его герои мучаются, страдают, подчас скрывая чувства даже от самих себя, но молодые актеры создают (да и то в символической форме) лишь внешний рисунок событий, а этого явно недостаточно для понимания глубинной сущности авторского замысла. До Чехова надо расти. Студийцам, в недавнем прошлом выпускникам института культуры, явно не хватило не только жизненного, но и сценического опыта. Театр Чехова — это прежде всего глубокий психологизм, неоднозначность трактовки характеров, убедительные смысловые акценты. Уходя со спектакля, хотелось взять томик Чехова, чтобы, углубившись в авторский текст, восстановить изначальное представление о персонажах большого мастера слова и знатока человеческих душ. Однако, как сказал один из экспертов, оценка любого спектакля — вещь субъективная, простирающаяся от восхищения до полного неприятия. Страсти, кипящие в зрительном зале и за его пределами, были уравновешены вердиктом компетентного жюри. Поздно вечером 30 мая состоялось закрытие фестиваля и подведение итогов. Все коллективы были удостоены памятных дипломов, отдельные режиссеры, актеры и творческие коллективы отмечены специальными призами в разных номинациях. В частности, приз губернатора Волгоградской области получил театр Минусинска за спектакль «Оттенки». Среди работ малой сценической формы лучшим был признан спектакль «Наш класс» (ТЮЗ г. Нягань, Ханты-Мансийский АО), а в большой форме Гран-при получило «Собачье сердце» (Русский драматический театр «Мастеровые» из Набережных Челнов Татарстана).
Валентина СИВКОВА
| |
| Просмотров: 264 | |
| Всего комментариев: 0 | |